Sa isang press conference bago ang pagbubukas ng Biennale, ang pangulo nito, si Paolo Barrata, ay labis na pinuri ang tagapangasiwa na si Aaron Betsky sa pagmumungkahi ng mahirap maintindihan na motto na 'Doon' para sa arkitekturang eksibisyon na nagaganap ngayon sa Venice - ang pinaka kinatawan na arkitektura eksibisyon sa mundo. Arkitektura na lampas sa pagbuo '. Ayon kay Barrata, ang paksang ito ay maraming katangian, makahulugan at mabunga. Pinupukaw nito ang mga malikhaing paghahanap at samakatuwid ang kasalukuyang arkitekturang biennale ay marahil ang pinakamahusay sa huling sampung taon. Tinanggap ng Curator na si Aaron Betsky ang papuri na kanais-nais - pagkatapos na kailangan niyang sagutin ang mga katanungan ng mga mamamahayag nang mahabang panahon, na nagpapaliwanag na sa katunayan gusto niya ang mga gusali at hindi nilayon na gawing isang sangay ng Biennale ng Contemporary Art ang mga arkitektura, at din na siya ay hindi sa lahat ng isang utopian, ay hindi mag-hover sa mga ulap at mga pangarap matupad.
Kaya, ang paksang itinakda ni Betsky sa mga tuntunin ng kalabuan ay tila nalampasan ang lahat ng mga naunang eksibisyon. Bukod dito, maaari itong isalin sa iba't ibang paraan - alinman sa "labas", o "bago", o "over". Ang isa pang salitang 'lampas', na-paste na ngayon sa buong Venice (lalo na ang marami sa Italyano na pavilion) ay isinalin bilang "kabilang sa kabilang buhay". Hindi inaasahang ito ang nagpapahiwatig ng katotohanan na ang tagapag-alaga ng Biennale ay tinukoy ang mga gusali bilang "mga libingan ng arkitektura" - ang arkitektura, sa kanyang palagay, ay isang paraan ng pag-iisip tungkol sa mga gusali, at kapag itinayo, namatay ito. Sa Venice, isang lungsod ng museyo na tahimik na lumulubog sa ilalim ng tubig, ito ay lalo na nagpapayapa at, walang kabuluhan, pinapaalala mo ang lungsod ng Kitezh sa Russia.
Gayunpaman, ang gawain ng tagapag-alaga ay dapat na maunawaan nang eksakto ang kabaligtaran - siyempre, ayaw niyang pumatay ng arkitektura, ngunit upang buhayin ito (at ang eksibisyon) sa karaniwang paraan - sa pamamagitan ng paglampas sa balangkas ng mundo ng arkitektura mismo sa paghahanap ng pagbabago. Hinimok ni Aaron Betsky ang mga kalahok sa Biennale na mag-eksperimento, na bumaling sa mga larangan ng sinehan, sining, disenyo, arkitektura ng landscape at pagganap. Ang mga eksperimento, aniya, ay maaaring magkaroon ng anyo ng mga pansamantalang istraktura, pati na rin ang mga imahe na "kung minsan ay hindi nakakubli."
Ang huli ay tila isang mahalagang bahagi ng konsepto ni Betsky. Ang kawalan ng katiyakan ay kaguluhan, at sa labas ng kaguluhan isang bagong bagay ang dapat ipanganak. Ipagpalagay na ang pangunahing pangarap ng bawat kritiko at teoretiko ay hindi lamang upang ilarawan ang naobserbahang proseso, ngunit din maimpluwensyahan ito. Kapag nangyari ito, napakalakas, lumalabas sa teorya ang mga trend na umuusbong sa sining. Bumabalik sa arkitektura, madaling mapansin na pagkatapos ng sigasig para sa paglitaw ng di-linear na arkitektura sa mga nagdaang taon, walang espesyal na nangyari dito, binabalangkas ang pagwawalang-kilos. Ang Biennale ay ang pinaka-maimpluwensyang eksibisyon sa arkitektura, at hindi nakakagulat na sa tulong nito ay sinubukan ni Betsky na "gisingin" ang modernong arkitektura, upang lumikha ng kaguluhan, kung saan may inaasahang lalabas na bago. Gayunpaman, ang kaguluhan ay maaaring magkakaiba - mabunga at mapanirang, kaguluhan ng henerasyon at pagkawasak (kung minsan, gayunpaman, ang isa ay nagkakaroon ng isa pa). Ang kaguluhan ay maaari ding maging natural, nagmula sa natural na mga sanhi, at kung minsan ito ay artipisyal, at tila ang kaguluhan na sinubukan ng curator na likhain sa kanyang Biennale ay artipisyal lamang. Ngunit kung siya ay produktibo o hindi - posible lamang sa oras upang maunawaan. Kung sa ganoong paraan sa sampung taon ang Biennale na ito ay tinukoy bilang isang milyahe - kung gayon ang ideya, walang alinlangan, ay isang tagumpay. Kung hindi, nabigo ito.
Pansamantala, maaari lamang tayong gumabay sa mga emosyon. Ang Italyanong pavilion, na ganap na nakatuon sa pang-eksperimentong arkitektura, ay nagbibigay ng impression ng isang nakakainip na kaguluhan. Mayroong maraming mga paglalahad (55), puspos ng mga teksto at maliliit na larawan, na paminsan-minsang sinasalungat ng mga modelo at pag-install - magkasama ang lahat ng ito ay pinagsasama sa isang masa na mahirap ding pang-unawa din dahil ang mga teksto ay napaka misteryoso sa mga lugar - tila, para sa alang-alang sa pagkamit ng napaka "minsan hindi siguridad." Upang palabnawin ang pagkakaiba-iba ng mga eksperimento ng kabataan, pati na rin upang maipakita kung paano eksaktong dapat mag-eksperimento, bukod sa mga ito ay inilagay ang mga bulwagan ng kagalang-galang na "mga bituin" na may subtitle na "Mga Eksperimento Masters". Sa isa sa kanila mayroong isang pagpipinta ni Zaha Hadid, na talagang katulad sa avant-garde ng 20s, ngunit kaunti lamang ang pandekorasyon at samakatuwid ay maganda - bagaman sa tabi ng mga kuwadro na ito, isang karpet na ginawa ayon sa kanyang mga motibo kahit papaano mukhang naaangkop sa sahig. Sa isa pa, may mga doodle ni Frank Gehry, na tumanggap ng Golden Lion ngayong taon para sa kanyang "kontribusyon sa buhay". Ang mga Doodle - isinalin bilang "scribbles", na kung saan ay kusang inilabas, ngunit sa kasong ito din na hinubog, nakatiklop, pinulupot ng iba`t ibang antas ng hindi kusa - mga prototype ng arkitektura ni Gehry - na kung saan, ay isinilang mula sa mga doodle. Ngunit ang pinaka-kapansin-pansin sa lahat ay ang pag-install ni Herzog & De Meuron, na ginawa sa pakikipagtulungan ng artista ng China na si Ai Weiwei: ang maluwang na bulwagan sa pasukan sa pavilion ay ganap na sinasakop ng isang istraktura ng mahabang mga kawayan na kawayan, kung saan nakakabit ang kawayan mga upuan, kaya nakabitin sa hangin. Ito ay naging medyo mahangin at napaka misteryoso.
Ang paglalahad sa Arsenal, kung saan inilagay ni Betsky ang mga pag-install ng mga kilalang tao na inanyayahan niya, ay lumilikha ng isang pakiramdam ng kaguluhan, hindi talaga nakakasawa, ngunit malakas, napaka nagpapahiwatig, malungkot at nakakatakot. Marahil ito ay dahil ang puwang ng Corderi mismo ay malaki at madilim, ang mga makapal na bilog na haligi ay kahawig ng isang gawing katedral na Romanesque, ngunit ang Corderi ay mas mahaba kaysa sa katedral, at ang pagbabago ng mga bulwagan sa ilang mga punto ay tila walang katapusan. At ang mga pag-install ay malaki, nakasulat ang mga ito sa isang malaking sukat sa puwang na ito, na hinihiram mula rito ang sukat at saklaw. Ang mga "bituin" ay hindi inanyayahan nang walang kabuluhan, bawat isa ay nagtrabaho nang propesyonal, ang mga pag-install ay solid, makikilala at maliwanag - Si Corderi ay naging isang serye ng mga imahe - sa isang atraksyon ng eksibisyon. Mabuti ito para sa eksibisyon, ngunit hindi napakahusay para sa balak ng tagapag-alaga, sapagkat kasama ng mga manifesto ng kasalukuyang Biennale naisip ng flashing na ang pagkaakit-akit ng arkitektura ay hindi masyadong maganda, at dapat na isipin ng arkitektura kung paano natin iparamdam na naroroon tayo ang mundong ito "tulad ng sa bahay". Ang ideyang ito - tungkol sa "pagiging nasa bahay" - ay paulit-ulit na maraming beses sa mga teksto ni Betsky at tila isa sa mga pangunahing ideya. Ngunit ang mga pag-install ng bituin sa anumang paraan ay hindi pumukaw sa "pakiramdam ng tahanan", ngunit sa halip ay makabuo ng pagkabalisa.
Ang isa pang problema ay ang pagkilala. Kapag sa Arsenal, ang mga bituin ay hindi nag-eksperimento sa paghahanap ng mga hindi malinaw na mga imahe ng isang bago o iba, ngunit sa kabaligtaran - ipinakita ng bawat isa na kaya niya. Ang mga imahe ay maaaring malabo sa kung saan, ngunit ang kahulugan nito ay tila magkapareho - lahat ng ito ay isang buod ng mga malikhaing konsepto, ang resulta, hindi ang simula, ang nakaraan, hindi ang hinaharap. Si Frank Gehry ay lubos na makikilala: nagtayo siya ng isang fragment ng harapan, katulad ng Bilbao, mula sa kahoy at luad. Ang mga concave surfaces ay unti-unting pinahiran ng luad, ito ay dries at basag. Ginagawa ito nang dahan-dahan, sa pagtatapos ng Biennale sa Nobyembre, ang buong "harapan" ay pinahiran ng luwad: ganito ang tampok sa pag-install ng mga tampok sa pagganap, na kung saan ay pabago-bago, ngunit ang hitsura ay nakabalik pa rin - pagtingin sa pagganap na ito, naalala mo ang Bilbao at ang lahat ay tila malaki at isang kamangha-manghang stand ng eksibisyon na idinisenyo upang maipakita ang pinaka nakikitang piraso ng portfolio ni Gehry. Ang parehong bagay ay nangyari kay Zaha Hadid - na-install niya ang kanyang susunod na likido form sa Arsenal, kung saan nakasulat ito sa paliwanag na siya ang prototype ng mga kasangkapan sa bahay. Ngunit si Zaha Hadid ay nagdidisenyo ng hindi malamang kasangkapan sa loob ng mahabang panahon. Ang isang katulad na bagay ay na-install ni Zaha sa loob ng Villa Foscari bilang parangal sa ika-500 anibersaryo ni Andrea Palladio; ngunit kung ano ang nakakainteres - sa loob ng Palladio o sa Arsenal - magkatulad na mga bagay, kaya't ano ang punto? Nagdagdag si Greg Lynn ng ilang katatawanan - gumagawa din ng mga kasangkapan, ngunit mula sa "mga recycled na laruan". Ang mga laruan ay naging maliwanag na iskultura, na kung saan, dapat kong sabihin, kinuha ang pinakamaliit na puwang - para sa kanila ang hurado ay iginawad ang "Golden Lion".
Bilang karagdagan sa nabanggit, maraming mga kahanga-hangang mga imahe sa Arsenal. Ang pag-install ng lacy cobweb nina Matthew Ritchie at Aranda Lush na "Evening Line" ay mukhang maganda. Binubuo ito ng buong gayak - bahagyang inukit mula sa metal, bahagyang binubuo ng mga anino at projection ng video, na nakasulat sa isang metal na pattern sa dingding. Ano ang ibig sabihin nito na hindi malinaw (ano ang layunin?), Ngunit mukhang nakakaakit at nauugnay - ngayon ang mga arkitekto ay nagmamahal ng mga burloloy. Ang Unstudio ay inilagay sa Corderi ng isang napakaraming bagay na laki ng isang maliit na silid, na hubog tulad ng isang Mobius strip - kapansin-pansin ang bagay na ito sa katotohanan na maaari itong ipasok sa loob. Ang layunin ng pamilya Fuchsas, sa kabaligtaran, ay nakabalangkas ng isang dilaw na linya, na inirerekumenda na huwag tawirin (na walang nagmamasid): ito ay dalawang higanteng berdeng mga van na may maliliit na bintana kung saan makikita mo ang mga pang-araw-araw na eksena sa stereo format ng sinehan Napakadali kumilos ng Dealer at Scorfidio - inihambing ng kanilang pag-install ang mga video sa dalawang Venice - isang tunay at isang laruang Amerikano mula sa Las Vegas. Hindi malinaw kung paano ito ihahayag ang tema ng Betsky, ngunit sa Venice mukhang maganda ito at ang mga upuan ay patuloy na sinasakop. Ang Barkow Leibinger ay nagtayo ng isang "nomadic garden" mula sa laser cut metal pipes - dahil sa homogeneity ng materyal at ang pagiging simple ng solusyon, sa palagay ko, ito ang isa sa mga pambihirang pag-install ng Arsenal. Ngunit binigyang pansin ni Philip Rahm ang kanyang pag-install sa pamamagitan ng katotohanang sa mga unang araw ng eksibisyon (hindi ko alam kung paano mamaya) mayroong dalawang nakahubad na mga tao na nakahiga doon, at sa tabi nila, apat na taong bihis na bihis ang naglalaro ng ilang uri ng musika ng gitara: ang proyekto ay nakatuon sa pag-init ng mundo, ngunit dito sinusundan ang mga ito? Dahil sa kahubaran?
Kaya, ang bahagi ng eksibisyon, na idinisenyo upang tumugon sa tawag ng curator, ay binubuo ng 55 maliliit na eksibisyon sa Italian pavilion at 23 malalaking pag-install sa Arsenal. Lahat ng sama-sama ay nagdagdag sila hanggang sa isang pagtatangka upang gisingin ang mga arkitekto - mula sa komersyal na pagsasanay hanggang sa mga pantasya ng "papel" - alang-alang sa pag-renew, isang pagliko, sa pangkalahatan, ang pagsilang ng isang bagong bagay. Ang pavilion ng Italya ay kumakatawan, ayon sa curator, kapwa ang nakaraan at ang hinaharap ng prosesong ito: mga exhibit ng kabataan - umaasa sa hinaharap, mga pabalik na eksibit ng mga masters - isang uri ng aklat-aralin sa kung paano mag-eksperimento. Ang lahat ng ito ay kinumpleto ng artikulo ni Bezki tungkol sa kasaysayan ng pag-eksperimentong modernista pagkatapos ng digmaan - ang mga pinagmulan nito ay nasusubaybayan ng kurator sa pampulitika na krisis noong 1968 at ang krisis sa enerhiya ng 1973. Pinangalanan ni Becki ang mga pangalan, bumubuo ng isang kuwento at inaanyayahan ang mga batang arkitekto na ipagpatuloy ito. Ang eksposisyon ng Arsenal, sa kabilang banda, ay gumagawa ng parehong panawagan para sa pag-eksperimento sa mga kagalang-galang na mga panginoon - sa teorya, ang buong pamayanan ng arkitektura ay dapat na kasangkot sa proseso ng paglikha ng "mga scribble" - kung saan ang isang bagong pag-iisip, isang bagong pag-ikot, ay magkakasunod na magaganap. Kaya kung ano ang nangyayari Ang paglalahad ng kabataan ay naging mababaw at labis na pag-asam (bagaman, kung ninanais, maaari mong makita ang mga kagiliw-giliw na bagay dito) - at ang "bituin", sa halip na dinamika at pagiging bago, ay muling ginawa ang mga "bituin" na sariling mga diskarte. Ang salpok upang artipisyal na mag-iniksyon ng malikhaing gulo sa arkitektura ay tila nabigo. Siguro dahil artipisyal ito? Bagaman - tulad ng nasabi na - pagkatapos lamang ng sampung taon ay magiging malinaw sa wakas kung ang pagtatangka na ito ay nagbunga ng hindi bababa sa ilang prutas at kung ito ay humantong sa isang pagliko. Pansamantala, pagtingin sa pagkakalantad, tila malabong.
Ngunit narito ang kakaibang bagay. Hindi malinaw kung ginising ni Betsky ang mga arkitekto. Ngunit ang mga likas na pwersa, dapat isaisip, nagising. Madaling mapansin na ang seremonya ng pagbubukas ng Biennale, ang tagapag-alaga kung saan sa kanyang manipesto ay nagsabi na hindi ito ang pinakamahalagang bagay sa ating mundo upang protektahan ang ating sarili mula sa pag-ulan, ay bumagsak sa isang buhos ng ulan na bihirang mangyari sa Venice. Dahil sa ulan na ito, ang pagbubukas ay kinailangan ilipat mula sa Giardini patungong Arsenal - at isang pulutong ng basa at nakapirming mamamahayag ang nakatayo sa harap ng pasukan. Ngunit wala pa rin iyon. Kaya't pagkatapos ng lahat, nakikipagtalo tungkol sa kahalagahan ng pang-ekonomiya at iba pang mga kaguluhan para sa pagpapaunlad ng kaisipang ayon sa konsepto, ang tagapangasiwa ng kasalukuyang Biennale, maliwanag, hindi lamang ulan, kundi pati na rin ang krisis. Halata ang krisis. Naghihintay kami ng mga eksperimento.
Mga botanista at nomad
Habang binibigyang kahulugan ang kanyang nalilito na paksa para sa publiko at sa mga kalahok ng Biennale, ang tagapag-alaga na si Aaron Betsky ay higit na nagsalita apophatically, iyon ay, mula sa kabaligtaran. Hindi isang gusali, sapagkat ito ay libingan ng pag-asa ng tao at likas na mapagkukunan, hindi isang utopia o isang abstract na solusyon sa mga problemang panlipunan - ngunit mga imaheng at bugtong na pinapangarap. Nanawagan siya na lampas sa gusali at arkitektura bilang isang disiplina - at pag-eksperimento. Ngunit hindi niya sinabi kung eksaktong pupunta, pinananatili ang nakakaakit na misteryo.
Ang bawat isa ay gumanti sa misteryong ito sa iba't ibang paraan, na may sinehan, disenyo at kasangkapan. Maraming mga kritiko ang isinasaalang-alang ang Arkitektura Biennale na masyadong katulad sa Biennale ng Contemporary Art at sa gayon ay nawala ang pagiging detalyado ng propesyonal. Matapos lumampas sa balangkas, hindi ka lamang makakakuha, ngunit maaari ring mawala - ito, sa pangkalahatan, ay isang nakapupukaw, ngunit mapanganib ding trabaho - upang tumawid sa mga hangganan.
Gayunpaman, ang pinaka-halatang paraan upang tumugon sa paksa ay naging pinaka-prangka: iwanan mo lang ang gusali. Nakakausisa kung ang mga bulwagan ng eksibisyon ay naiwan nang walang laman, at ang mga paglantad ay nawasak sa labas, ngunit ang Biennale ay hindi pa rin umabot sa ganoong antas ng literal. Gayunpaman, sa mga tuntunin ng pagtakas mula sa arkitektura patungo sa kalikasan at konstruksyon doon, sa labas, ng iba't ibang mga "pansamantalang istraktura", ang mga arkitekto ay maaaring lumipat sa mayamang karanasan ng mga residente ng tag-init ng Soviet - tumakas din sila mula sa pagbagsak ng modernismo at, nang makatakas, itakda up ng isang hardin ng gulay.
Ang pinakamalaking hardin ng gulay sa Biennale ay itinayo ng mga Gustafsons. Ang isang bahagi ng ligaw na halaman na natakpan ng lianas ng Hardin ng Mga Birhen, na matatagpuan sa gilid ng Arsenal, sa lugar ng isang wasak na monasteryo ng Benedictine - ay nilinang ng proyekto ng British-American na "through Paradise" (patungo sa paraiso). Ang repolyo, mga sibuyas at dill (mga simbolo ng pagkabusog) ay sinasalimuot ng mga bulaklak, sa gitna ng komposisyon ay may isang curve ng burol tulad ng isang kuhol, natatakpan ng maayos na damo. Ang snail ng damo ay inilaan upang maging isang lugar upang masilayan, na inilalagay dito ang mga unan sa pag-upo, ngunit sa isang maulan na araw ng pagbubukas, ang mga puting bola lamang ang umikot sa maburol na damuhan. Dagdag dito, sa lumang kapilya (o simbahan?), Ang mga kandila ay inilalagay sa mga istante sa mga dingding, at ang mga Latin na pangalan ng mga nawala na hayop at halaman ay nakasulat sa mga dingding (may iilan.) Dapat itong aminin na ang proyektong ito sa landscape ay ang pinaka-ambisyoso sa Biennale. Alang-alang sa kaniya, pinutol pa nila ang maraming mga lumang puno, na kung saan ay hindi maligayang pagdating sa Venice.
Sa pamamagitan ng paraan, ang tema ng Paraiso ay umaangkop nang maayos sa curatorial na 'doon' at 'sa kabila ng' - walang mas ibang ibang mundo kaysa sa Paraiso. Ito ay nagsiwalat sa sarili nitong paraan sa German pavilion: ang mga mansanas ay lumalaki sa mga sanga na natigil sa mga kaldero, ang mga dropper na may berdeng likido ay nakakabit sa mga sanga. Kung ang mga prutas mismo ay lumago sa manipis na pinagputulan at kung paano ito nakamit ay hindi ipinaliwanag, ngunit ang simbolikong paglalahad ay sinamahan ng argumento na ang mga tao, na sinusubukan na lumikha ng isang paraiso sa lupa para sa kanilang sarili, ay sinisira ang buong ecosystems alang-alang sa teknolohikal na paraiso na ito.. Ang mga mansanas sa ilalim ng mga dropper ay dapat na kumatawan sa isang paraiso na gawa ng tao.
Ang pavilion ng Japan ay napapaligiran ng mga bulaklak, na nakalagay sa loob ng mga ephemeral na istraktura na kahawig ng mga balangkas ng mga tower na naakibat ng halaman. Ito ang mga iskema ng mga gusaling maraming palapag na tinahanan ng mga halaman - inilalarawan din ang mga ito sa loob ng pavilion sa mga dingding na lapis. Bilang karagdagan sa mga guhit, wala nang iba pa sa pavilion - ito ay ganap na puti, tulad ng isang uri ng sheet ng papel na nakadikit sa interior. Maraming mga tao ang nagustuhan ang laconic at contemplative pavilion na ito sa isang synthaic na paraan.
Ang hardin ng gulay sa Amerika ay mas maliit at hindi napakalalim, ngunit panlipunan - ito ay nakatuon, lalo na, sa pagpapalaki ng mga bata sa pamamagitan ng paghahardin (ang ganitong uri ng edukasyon ay ginagawa ngayon sa maraming mga monasteryo sa ating bansa). Itinago ng mga Amerikano ang imperyal dorica ng harapan sa likod ng isang translucent mesh, nag-set up ng isang hardin ng gulay sa harap ng colonnade, at pinuno ang pavilion ng lahat ng mga uri ng mga proyektong panlipunan. Ang isang napaka-seryoso at magkakaibang 'ecotopedia', isang encyclopedia ng mga problema sa kapaligiran, ay na-deploy sa pavilion ng Denmark.
Ang tema sa kapaligiran ay popular din sa mga pang-eksperimentong proyekto sa Italian pavilion. Ang mga ideya, gayunpaman, ay pamilyar sa pamilyar: mga berdeng lungsod, kung saan mayroong isang kagubatan sa ibaba, at teknolohiya at sibilisasyon na "nasa ikalawang baitang" at berdeng mga skyscraper, kung saan ang isa ay lalong kapansin-pansin - Julien de Smedta, isang proyekto na inilaan para sa mga Tsino lungsod ng Shenzhen, na matatagpuan sa mainland sa tapat ng Hong Kong. Ito ay isang napakalaking skyscraper, pantay na tinitirhan ng mga tao at halaman, na, ayon sa mga may-akda, ay dapat palitan ang mga kahoy na bundok na nawala sa lugar na ito, na naging isang malaking bundok na gawa ng tao. Hindi alintana kung ano ang sinabi ng pantas sa Cincinnati tungkol sa mga benepisyo ng mga hindi malinaw na inspirasyon, ang isang tunay na proyekto ay mukhang napaka-kalamangan laban sa kanilang background.
Ang isa pang paraan upang makatakas "mula sa gusali" ay ang pumunta sa kubo. Kakatwa, hindi siya gaanong popular, ngunit malapit siya sa atin sa espiritu. Ang pangunahing "kubo" sa anyo ng isang yurt ay itinayo sa pilapil ng Arsenal ni Totan Kuzembaev at inilagay sa loob ng isang maliit na kotse. Ang punto ay upang pagsamahin ang mga nomadic accessories ng dalawang kultura - sinauna at moderno. Mula sa modernong sibilisasyon, sa loob ng yurt mayroong iba't ibang mga panteknikal na accessories, cell phone, laptop, atbp., Hindi ginagamit para sa kanilang nilalayon na layunin, ngunit bilang mga katangian ng isang shaman. Upang mabuhay sa modernong mundo - nagsusulat ng Totan Kuzembaev sa explication sa "Nomad", kailangan mong ayusin. At pagkatapos ay alinman sa isang bagong bagay na babangon, o lalamunin ng globalismo ang lahat, na magiging malungkot - nagtapos siya.
Sa kabilang banda, sa pagitan ng Arsenal at paraiso ng Gustafson, ang mga arkitektong Tsino ay nagtayo ng iba't ibang mga bahay - gawa sa mga kahon, playwud, hardboard - ang mga bahay ay malaki, may tatlong palapag, ngunit sa loob nito ay hindi komportable at masikip, tulad ng sa isang tren. Ang kubo ng pergola na itinayo ni Nikolai Polissky sa terasa ng pavilion ng Russia ay umaangkop din sa parehong hilera - isang magandang istraktura, ngunit, sa kasamaang palad, hindi masyadong kapansin-pansin dahil sa ang katunayan na ito ay matatagpuan sa gilid ng lagoon.
Mayroon ding isang mas abstract na paraan ng pag-alis - halimbawa, mula sa form hanggang sa tunog at video. Narito ang isang maganda at ganap na unarchitectural pavilion ng Greece, na binubuo ng mga interactive na pedestal na may mga monitor at headphone na may tunog ng lungsod. Madilim na may nakabitin na mga kumikinang na plastik na thread.
At sa wakas, makakalayo ka mula sa arkitektura sa pamamagitan ng pag-alis ng laman ng pavilion - ginawa ito sa pavilion sa Belgium, kung saan nakalat ang mga makukulay na confetti sa sahig ("After the Party"), o sa Czechoslovakia, kung saan may mga nakakatawang ref na may pagkain nagtatakda para sa iba't ibang mga character.
Karamihan sa mga kalahok ay masigasig na binigyang-kahulugan ang paksa, ngunit mayroon ding mga friper - ang mga, salungat sa motto, ipinakita pa rin ang mga gusali. Pagkatapos ng lahat, ang mga pambansang pavilion ay hindi kailangang sundin ang tema. Mahusay ang pavilion ng UK, kung saan ang isang mamahaling, maingat na paggawa ng eksposisyon ay nakatuon sa limang mga arkitekto na nagtatayo ng pabahay sa mga lungsod ng Britain. Ito ay lumalabas na ngayon sa Britain - ang tinubuang bayan ng hardin lungsod at mga bagong uri ng tirahan sa simula ng ika-20 siglo - mas mababa at mas mababa ang pabahay ay itinatayo. Ang pavilion ng France ay puno ng maraming mga modelo: ang bawat isa sa kanila ay inilalagay sa isang transparent plastic box at nakakabit sa pader na may isang palipat na console - maaari mong i-twist ang mga modelo habang tinitingnan ang mga ito. Ang arkitektura ng Espanya ay ipinakita din sa mahusay na detalye at ayon sa kaugalian - na may mga larawan at modelo. Sa kauna-unahang pagkakataon sa maraming taon, kasama sa hilera na ito ang pavilion ng Russia, tungkol sa kung saan - kaunti pa mamaya.
Mga Ruso sa Venice
Ito ay nangyari na sa mga tao na nakausap ko sa Venice, sinuri ng mga mamamahayag ang konsepto ni Aaron Betsky na higit na positibo, habang ang mga arkitekto ay halos negatibo. Mayroong, syempre, mga pagbubukod, ngunit sa kabuuan ay halata - ang mga arkitekto ay dumating sa Venice upang tumingin sa arkitektura, at ang halos kumpletong pagkawala nito ay hindi ang pinaka kaaya-aya sorpresa para sa kanila.
Sa pavilion ng Russia, ang lahat ay nangyari sa ibang paraan: hindi ito malabo na mga pangangalaga na ipinapakita, ngunit mga gusali, maraming mga gusali. Dati, nang ang mga proyekto at pagsasakatuparan ay ipinakita sa Biennale, ang mga pag-install ay nakaayos sa pavilion ng Russia, at ngayon, nang napagpasyahan na ipakita ang tunay na arkitektura, binubuo ni Aaron Betsky ang eksaktong kabaligtaran na "gawain". Gayunpaman, ang tema ay hindi sapilitan para sa pambansang pavilion … Dapat ba nating itapon ang ideya sa kauna-unahang pagkakataon upang ipakita ang isang hiwa ng tunay na arkitektura ng Russia at umangkop sa motto? Mahirap sabihin. Ngunit, mahigpit na nagsasalita, malinaw na ang tema na itinakda ni Betsky para sa Biennale ay tumutugma sa sitwasyon ng isang tiyak na pagkabagot at kabusugan sa "mga bituin" na nabuo sa arkitektura ng mundo. At ang tema, itinakda ng tagapangasiwa ng pavilion ng Russia, si Grigory Revzin, ay katinig sa sitwasyon ng boom ng konstruksyon sa Russia. At ang eksibisyon ay tumpak na kumakatawan sa isang snapshot ng arkitektura ng Russia ngayon. Kasama ang pagkakaiba-iba at dami ng katangian nito, ang aktibo, mahalaga at hindi masyadong kontroladong paglago ng iba`t ibang mga gusali.
Ang eksibisyon ay binubuo ng dalawang bahagi. Ang itaas na palapag ay sinasakop ng mga modernong proyekto at gusali - mayroon itong tatlong bulwagan, isang pangunahing at dalawang karagdagang. Ang mga taga-disenyo na sina Vlad Savinkin at Vladimir Kuzmin ay nagpasya sa kanila sa tatlong magkakaibang kulay: ang unang bulwagan, na nagpapakita ng elektronikong katalogo, ay puti, ang pangatlong bulwagan - naglalaman ito ng mga developer, itim, at ang pangunahing, gitnang hall ay pula. Ang sahig nito ay may linya ng mga chess cell, ang pula ay ang mga gusali ng mga arkitekto ng Russia, ang mga puti ay ang mga modelo na ginawa ayon sa mga disenyo ng mga banyagang nagtatayo sa Russia. Ayon sa ideya ng tagapag-alaga, sa pagitan ng mga modelo ng mga Ruso at mga dayuhan, nagaganap ang isang kondisyunal na laro ng chess - binibigyang diin ang tema ng kumpetisyon sa pagitan ng "lokal" at "dayuhan" na mga arkitekto.
Ang pangalawang bahagi ng eksibisyon ay ang mga istrukturang kahoy na Nikolai Polissky, hindi pa arkitektura, ngunit, tulad ng tinukoy ng tagapangasiwa ng pavilion ng Russia na Grigory Revzin, isang ekspresyon ng pangarap ng tanawin ng Russia. Ang mga gawa ni Polissky ay tumagos sa pavilion ng Russia - sa bulwagan sa unang palapag ay bumuo sila ng isang gubat na pinipisan ng mga patch ng ilaw. Sa parehong lugar, sa susunod na bulwagan, ipinapakita ang mga pangunahing gawa ng Polissky at - mga video - ang proseso ng kanilang paglikha ng mga puwersa ng isang mahusay na koordinadong koponan ng mga residente ng nayon ng Nikolo-Lenivets. Batay sa unang palapag, ang mga istraktura ni Polissky ay patuloy na lumalaki saanman - sa anyo ng isang hindi mabilis na arko sa harap ng pasukan, pergola sa terasa (tinawag na 'lampas sa gusali') at maging ang mga binti sa mesa sa bulwagan ng nag-develop ay gawa sa parehong baluktot na mga puno.
Dapat itong aminin na ang mga disenyo ni Nikolai Polissky ay naiiba nang malaki mula sa iba pang mga proyektong pang-tanawin ng Biennale, at hindi lamang sa pamamagitan ng katotohanang sila ay ganap na kulang sa "paraiso" na tema ng isang hardin-hardin, at ang materyal ay ligaw, natural, halos hindi nalinis. Mas malapit sila sa kalikasan kaysa sa mga proyekto sa ekolohiya, na, sa katunayan, kabilang sa isang mas malawak na lawak sa mundo ng teknolohiya. Ang "kagubatan" ni Polissky ay medyo ligaw at nakakatakot, kahit na sa loob ng pavilion ay wala itong sukat - wala kahit saan upang lumingon. Ngunit dapat mong maunawaan na ito ay isang "export" na kagubatan, isang goblin sa paglilibot. Sa Nikolo-Lenivets, ang mga proyekto sa landscape ng Polissky ay parehong mas malaki at mas mahalaga.
Sa taong ito ang mga Ruso ay lumahok sa lahat ng mga pangunahing bahagi ng Biennale. Si Totan Kuzembaev, na nagwagi kamakailan sa pangalawang puwesto sa kompetisyon para sa isang tulay sa buong Venetian Grand Canal, ay inanyayahan ni Aaron Betsky na lumahok sa curatorial exposition ng Arsenal at itinayo ang nabanggit na yurt sa kalye sa harapan niya. Si Boris Bernasconi, na kamakailan ay nagbahagi ng unang pwesto sa pandaigdigang kumpetisyon para sa Perm Art Museum kasama si Valerio Olgiati, ay naimbitahan na i-curate ang eksibisyon sa Italian pavilion - at ginamit ang paanyayang ito upang labanan laban sa proyektong Orange ni Norman Foster. Dapat kong sabihin na si Aaron Betsky sa kanyang press conference ay hiwalay na binanggit ang proyekto ni Bernasconi at pinuri ito ng lubos sa kahulugan na ang batang arkitekto ay naglakas-loob na magprotesta laban kay Foster mismo.
Pagdating sa Venice, ang eksibisyon ng Maternity Hospital (na-curate nina Yuri Avvakumov at Yuri Grigoryan) ay naging isang napakagandang proyekto. Ang eksibisyon ay ipinakita sa kauna-unahang pagkakataon sa Moscow sa gallery ng VKHUTEMAS, pagkatapos ay sa St. Dapat kong sabihin na sa Biennale ang eksibisyon, na naimbento isang taon nang mas maaga, ay naging napaka kapaki-pakinabang: binubuo ito ng mga eskulturang embryo ng arkitektura, mga interpretasyon ng tema ng kapanganakan, na ginawa ng mga arkitekto, na kasama ng maraming mga Ruso, ngunit maraming mga dayuhan. Gusto ko ring maglakas-loob na imungkahi na dito ang pangunahing ideya ni Betsky ay ipinahayag, kung hindi mas tumpak, pagkatapos ay mas maikli kaysa sa Arsenal. Nakatira sa Venetian Church ng San Stae, ang eksibisyon ay may malaking pagbabago: ang lahat ng mga exhibit ay inilagay sa mga cell sa loob ng mga dingding ng isang karton na bahay na may butas na pader. Ang gusaling ito ay inihalintulad sa isang reliquary ng simbahan at sabay na isang tanawin ng kapanganakan. Ang ebolusyon ng eksibisyon ay tila napaka-lohikal. Bukod dito, tila ang Venice mismo ay may gampanan dito - isang lungsod kung saan halos lahat ng pader ay nagdadala ng isang kaso ng icon na may isang icon na eskultura. Mula sa kung ano ang lungsod ay tila banal na kabuuan - isang kalidad na nawala na ng iba pang mga lunsod sa Europa - at maging ang brutal na "Maternity Hospital" dito ay naging isang tanawin ng pagsilang sa Pasko. Ang Venice ay isang kahanga-hangang lungsod.
