Isang eksibisyon ng arkitekturang graphics na "Tanging Italya!" Bukas sa publiko sa Engineering Building ng Tretyakov Gallery. Ang kalahati ng paglalahad ay binubuo ng mga bagay mula sa koleksyon ng Sergei Tchoban Foundation, kalahating - guhit mula sa State Tretyakov Gallery, at ilan pa - ang gawa ng apat na mga napapanahong artista-arkitekto: Maxim Atayants, Sergei Kuznetsov, Mikhail Filippov at Sergei Tchoban.
Ang eksibisyon ay ganap na kamangha-manghang para sa maraming mga kadahilanan. Una sa lahat, ang mga de-kalidad na arkitekturang graphics ay isang materyal na nagtatapon sa sarili. Sinusuri ito mula sa sheet hanggang sheet, sinusuri nang detalyado ang mga kulot, anino, kawani, order ay isang perpektong kasiyahan.
Sa kabilang banda, hindi masasabi na ang mga arkitekto ay madalas na ipinapakita sa Tretyakov Gallery. Halos hindi sila pinakita roon. At narito - ang eksposisyon ay nagkakaisa hindi lamang mga bagay mula sa mga tindahan ng gallery, ang mga may maliit na pagkakataong maipakita sa ibang oras, na may mga sheet mula sa koleksyon ng pondo ng Tchoban na nakaimbak sa Berlin. Sa gitna ng lahat, tulad ng korona ng paglikha, ay ang mga guhit ng mga modernong arkitekto.
Ang disenyo ng paglalahad ay pagmamay-ari ng SPEECH bureau at Sergei Tchoban, na nag-ayos ng mga gawa ng kanyang mga kapanahon (kasama ang kanyang sarili) sa isang maliit na rotunda hall; sa gallery na nakapalibot sa kanya, ang mga grapiko ng ika-20 siglo ay ipinakita; sa isang distansya, sa dalawa pang parihabang puwang, mga sheet ng ika-18 - ika-19 na siglo ay ipinakita, nahahati sa dalawang mga bloke: "The Birth of a Theme" at "Rossika" (gumagana ng mga dayuhan sa Russia). Kaya, ang pagkakasunud-sunod ay magkakasama sa mga bilog sa puwang ng paglalahad, o, mas tiyak, na nagko-convert mula sa nakaraan hanggang sa kasalukuyan: isang bagay tulad ng mga bilog sa tubig, sa kabilang banda lamang.
Dapat pansinin na ang SPEECH sa halip ay tuloy-tuloy na bumubuo ng motibo ng bilog na bulwagan sa kanyang gawain na may disenyo ng eksibisyon: sapat na upang maalala ang eksibisyon na "Museum of Graphics" sa ArchMoscow noong 2013 (noong ang Berlin Museum of Graphics ay hindi pa bukas), o dalawang disenyo ng paglalahad ng pavilion ng Russia sa Venetian biennale ng arkitektura: magandang diorama ng lungsod ng Vyshny Volochok noong 2010 at "Pantheon" mula sa QR code 2012, kamakailan lamang
muling likha sa Zaryadye. Ang mga bilog na bulwagan ay medyo bihira sa disenyo ng mga modernong eksibisyon - ang puwang ng rotunda ay hindi masyadong maginhawa para sa eksibit, dahil may posibilidad na mapuno ang mga eksibisyon at magmukhang mas mahalaga at mahalaga sa sarili nito. Ito ay isang templo, hindi isang museo, isang lugar ng konsentrasyon o kahit isang serbisyo.
Ang kalidad ng pag-ikot na ito ay binibigyang diin at ginamit sa pagbitay. Ang mga grapiko ng Bagong Oras ay ipinakita alinsunod sa lahat ng mga patakaran ng exhibit ng museo at may respeto. Sa puwang ng rotundal sa kaliwa, ang graphic sheet ay tumitigil na maging mahalaga sa sarili, na nagiging isang mas mababang bahagi ng spatial plot. Ang mga sheet ng Atayants, Kuznetsov, Filippov, Choban ay nakabitin sa dalawang hilera, nang hindi naaayos ang pansin sa bawat indibidwal na gawain bilang isang halaga ng museyo (ang mga graphic ng ika-20 siglo sa paikot na gallery ay nagsisilbing isang paglipat, ang pag-ikot na mismo ang nagtatanggal ng museyo mahigpit).
Ang kahulugan ng pahayag ay sapat na malinaw. Ang mga modernong grapiko ay hindi isang eksibit dito, ngunit isang deklarasyon ng katotohanan ng pagkakaroon nito - ang misyon na magpatuloy at buhayin ang tradisyon ng klasikal na pagguhit. Ito ay bahagi ng isang haka-haka na templo ng mga sining, habang ang pang-makasaysayang koleksyon ay isang bagay tulad ng sacristy nito, isang lalagyan ng mga mahahalagang ispesimen.
Ito ay katangian na ang plastik na panloob na pahayag, na kung saan subtly interprets ang nilalaman ng eksibisyon, mananatili sa loob ng balangkas ng wika ng mga classics. Ganap na walang isang order, ngunit ang mga detalye at spatial na karanasan ay idinagdag sa bilog na bulwagan ng aktwal na mga graphic sheet. Ang mga ito ay ang kanyang ephemeral na arkitektura. Isaalang-alang, halimbawa, ang bilog na bahagi ng Pantheon, na binigkas ng isang maayos na iginuhit na daanan ng mga pagdiskarga ng mga arko: "ang pantheon sa pantheon" ay nagpatuloy sa sinimulang laro nang higit pa, na nasa isang haka-haka na puwang sa likod ng eroplano ng graphic sheet.
Sa sinabi, nananatili itong idagdag na ang eksibisyon, na nagsisimula sa mga "tagapagtatag" noong ika-18 siglo, karagdagang tuklasin ang partikular na tradisyon ng Russia na hangaan ang Italya, at malapit sa ika-21 lumalabas na ang tradisyon na ito ay nakuha dito ganap na mga espesyal na tampok, hindi wala ng isang tala ng paghanga at, sa isang mabuting kahulugan, pagkahumaling, na kung saan ay subtly nakunan ng hugis ng templo ng hall. Walang sinuman ang nagpahayag ng mga pag-aaral ng mga antigo bilang taos-puso bilang Maxim Atayants; walang iniisip na ang kanyang arkitektura ay ipinanganak mula sa isang tanawin ng watercolor, tulad ni Mikhail Filippov; walang sinuman ang labis na nakatuon sa pangunahing halaga ng genre ng arkitekturang graphics tulad ng Sergei Tchoban, na lumikha ng museo nito, at Sergei Kuznetsov, na patuloy na pumupunta sa bukas na hangin. Sama-sama, ang resulta ay isang magkakaiba, ngunit tiyak na natatanging hindi pangkaraniwang bagay.
Kinausap namin ang lahat ng apat na exhibitor ng Contemporary Drawing Room.
***
Sergey Choban Archi.ru:
Ito ba talaga ang pinakamalaking eksibisyon ng mga guhit na arkitektura na ginawa sa paglahok ng iyong pundasyon sa ngayon?
Sergey Choban:
- Sa tingin ko oo. Parehong sa bilang ng mga gawaing ipinakita at sa sakop ng panahon, ito ang pinakamalaking palabas. Narito ang mga gawa ng natitirang mga manunulat ng Kanlurang Europa, mga nagtatag ng paaralan ng pagguhit ng arkitektura noong ika-18 siglo, at isang malaking bilang ng mga graphic ng mga natitirang Russian artist at arkitekto na aktibong nagtrabaho sa kontekstong ito.
Mga eksibisyon ng arkitekturang graphics, na isinaayos ng iyong pundasyon, ay kumukuha na ng hugis sa isang tiyak na pagkakasunud-sunod Mayroon bang isang pangkalahatang plano, isang vector ng pag-unlad, o naimbento muli ang balangkas sa bawat oras?
S. Ch.: Sa pangkalahatan, sa tuwing ito ay naiimbento muli, bagaman mayroon kaming ilang mga prinsipyo. Sa partikular, nagsusumikap kaming makipagtulungan sa mga kilalang institusyon ng museo. Ang isa sa aming susunod na proyekto ay pagsasama ni Albertina mula sa Vienna. Si Dr. Schroeder [director ng Albertina Museum sa Vienna - Archi.ru] ay nasa bulwagan ng aming museo sa Berlin at ipinahayag ang isang pagnanais na gumawa ng isang magkasamang proyekto - laking tuwa namin tungkol dito at ipinagmamalaki ang panukalang ito. Meron ding ibang mga proyekto.
May mga plano na magtrabaho kasama ang Shchusev Museum of Architecture, sa palagay ko ito ay napakahalaga.
Ikaw ay isang kolektor, graphic artist, taga-disenyo, arkitekto - paano ito nauugnay sa bawat isa?
S. Ch.: Mukha sa akin na ito ay magkakaibang mga link ng parehong trabaho. Sa isang makasaysayang konteksto, ang mga arkitekto ay mga artista rin; sila ay nakikibahagi hindi lamang sa mga gusaling kapital, kundi pati na rin sa disenyo ng entablado, mga pagtatanghal sa dula-dulaan.
Hanggang sa ika-20 siglo, ang mga arkitekto ay walang potograpiya …
S. Ch.: Sa palagay ko ang potograpiya ay walang parehong mga layunin tulad ng pagguhit ng arkitektura. Kinukuha ng pagguhit ang pinakamahalagang bahagi ng pagkamalikhain ng tao - ang arkitektura na nilikha ng isang tao sa loob ng natural space.
Samantala, sina Maxim Atayants at Mikhail Filippov ay gumagawa ng klasikal na arkitektura, ngunit hindi ka
S. Ch.: Siyempre hindi, hindi ito direktang nauugnay sa arkitekturang ginagawa namin. Tila sa akin na ang pag-aaral ng arkitektura sa pamamagitan ng pagguhit ay maaaring humantong sa ganap na magkakaibang mga resulta: ito ay ang pag-aaral ng mga sukat, at mga spatial na epekto, at tela, at detalye. Ito ay hindi para sa wala na ngayon, hindi lamang sa Ruso, kundi pati na rin sa maraming mga paaralang Europa, muling binibigyang pansin ang pagguhit, dahil sa pamamagitan lamang ng pagguhit makikita mo kung paano pinagsama ang mga materyales sa bawat isa, kung paano ang tela ng pinakamaliit na detalye ay dumadaloy sa bawat isa.
Ang iyong mga guhit sa mga eksibisyon ay laging tapos na mga gawa, pagguhit mula sa likas na katangian. Bakit hindi ka magpakita ng mga sketch?
S. Ch.: Una, ang tema ng eksibisyon na ito ay tiyak na tinukoy, hindi ito nagpapahiwatig ng anupaman. At pangalawa, ang mga guhit mismo ay dapat magkaroon ng isang malayang kalidad. Ang mga sketch ay hindi laging may ganitong kalidad.
Ang iyong pagpipinta ay lumalaki nang higit sa iyong koleksyon o wala sa iyong arkitektura?
S. Ch.: Sa palagay ko ang koleksyon ay lumago sa pagguhit pagkatapos ng lahat. At maraming arkitekturang ginagawa ko ay lumalabas sa pagguhit. Hindi lang ito dumidikit. Walang ganoong bagay na gumuhit ka ng isang gusali ng sinaunang panahon, at pagkatapos ay magdisenyo ng katulad na bagay. Pagkatapos ay nag-disenyo ka ng iba pa, dahil ang mga batas ng pagpapaunlad ng kalawakan ay magkakaiba.
*** Nagawa naming tanungin ang tatlong iba pang mga kalahok ng eksibisyon ng pareho, sa kasong ito mahalaga, tanong: kung ang kanilang mga graphic ay naiiba mula sa isang makasaysayang, at kung gayon, paano.
Maxim Atayants
Paano naiiba ang iyong graphics mula sa mga makasaysayang ipinakita dito sa eksibisyon?
M. A.: Ang mga graphic ay ibang-iba dito … Mayroon akong isang pakiramdam na ang apat na mga napapanahon na exhibitors ay naiiba sa bawat isa halos tulad ng ginagawa nila mula sa mga nag-hang sa iba pang mga bulwagan ng eksibisyon na ito.
Ang mga panahon ay magkakaiba. Ang mga modernong graphics ay hindi maaaring maimpluwensyahan ng napakalaking visual na kalabisan ng modernidad. Sa nagdaang dalawang taon, mas maraming mga litrato ang nakuha sa mundo kaysa sa buong nakaraang kasaysayan mula pa noong unang daguerreotype. Pinipilit kami ng presyon ng kalabisan sa visual na gamutin nang iba ang pagguhit at maglabas ng isang bagay mula doon na hindi, halimbawa, sa pagkuha ng litrato. Ako ay isang medyo propesyonal na litratista, kaya mahalaga na ihambing ko ang mga bagay na ito. Ngunit natatakot akong sadyang isipin ang paksang ito, dahil ang gawain ng pagguhit at pagkuha ng litrato ay pareho … Nais kong ipahayag ang aking kagalakan at kaguluhan sa pulong sa mga gusaling ito. Marahil, nalutas ni Quarenghi ang parehong mga problema. At iba ang resulta, dahil iba ang panahon. Paano pa ito sasagutin?
Bakit hindi ka lamang litrato, ngunit din gumuhit?
M. A.: Ngunit dito madali akong makasagot. Dahil sa iba't ibang mga mekanismo ay kasangkot. Ang pagguhit ay isang paraan ng pag-aaral, ang tanging uri ng aktibidad ng tao kung saan ang utak, mata at kamay ay sabay na kasangkot na may pantay na tindi. Imposibleng gumugol ng isang oras na may pag-iisip at puro pagtingin sa ilang piraso ng arkitektura kung hindi ka nagpapinta. Ito ay isang paraan ng pag-aaral.
Kumuha kami ng mga larawan para maibahagi ng iba, at gumuhit para sa aming sarili. Para sa paglagom. Sa aking kaso, hindi bababa sa.
Nagpinta ka na ba mula sa isang litrato?
M. A.: Siyempre, tulad ng anumang idiot na nag-aral sa Academy of Arts, gumuhit ako mula sa pagkuha ng litrato sa gabi, kung saan, halimbawa, wala akong oras upang makumpleto ang aking term paper. Pagkatapos ito ay tila sa akin na ito ay mas madali. Ngayon ay sinubukan kong huwag gawin ito, sapagkat ito ay isang walang katuturang paggaya ng proseso. Sa palagay ko, ang punto ng pagguhit ay upang gumuhit mula sa buhay.
Kapag gumuhit ako, nakakaintindi ng isang bagay, kung gayon malalim ang prosesong ito. Bakit pinapasimple ito habang sinusubukang makuha ang parehong resulta ng murang? O sa panlabas na hitsura ng pareho. Sa mga kasong iyon kung wala kang oras upang matapos sa lugar, minsan, syempre, sumilip ka sa litrato … Ngunit pangalawa ito. Nakakagulat na ngayon mas mahirap at mas mahaba para sa akin ang gumuhit mula sa isang litrato kaysa sa likas na katangian. Totoo iyon.
***
Sergey Kuznetsov
Paano naiiba ang iyong graphics mula sa mga makasaysayang ipinakita dito sa eksibisyon?
S. K.: Mapagpakumbaba kong sasabihin na hindi natin kayang gawin iyon. Natutuwa ako sa mga gawa ni Maxim Atayants, na nakakita ng isang mapagkukunan sa kanyang sarili, na nakisisid at pumunta sa ibang antas ng detalye - malinaw na ang mahirap ay hindi nangangahulugang mabuti, ngunit hindi nangangahulugang masama - ngunit gayunpaman, kung ano ang taas ng naabot ng mga matandang panginoon, at sa pasensya, at sa pagsusumikap, at sa mata - kamangha-mangha ito. Dapat nating malaman … Tumingin pa rin ako nang may pagkainggit sa mga graphic na ipinakita dito; mastering tulad ng isang kasanayan, siyempre, magiging mahusay.
Ang pagguhit ba ng klasikal na arkitektura ay nangangahulugang pagsisikap na bumuo ng klasikal na arkitektura?
S. K.: Hindi, hindi talaga ibig sabihin. Ang pagguhit ng klasikal na arkitektura ay hindi dapat maiugnay sa disenyo ng klasikal na arkitektura, tulad ng pagbabasa ng Tatlong Musketeers ay hindi nangangahulugang handa ka na upang ibagay ang tabak bukas.
Paano magkakaugnay sa iyo ang arkitektura at pagpipinta?
S. K.: Sa puntong ito, ako ay isang taong nasa paaralang paaralan, pinahahalagahan ko ang pangunahing, mga kasanayan sa bapor. Tila sa akin na ang paraan ng paggawa ng arkitektura ay hindi nagbago at hindi dapat magbago: ang isang tao ay dapat na ipasa ang mga saloobin, sensasyon, damdamin sa pamamagitan ng kanyang sarili - hindi papayag ang isang computer na ipahayag ang lahat. Malalim at seryoso akong mahilig sa graphics ng computer, marami akong mga publikasyon at eksibisyon, binibigyan ako nito ng pagkakataon na ihambing ang trabaho sa aking mga kamay at mata - at makipagtulungan sa isang computer. Kapag may kontrol ka sa iyong kamay at mailalarawan kung ano ang nasa iyong ulo gamit ang iyong sariling mga kamay, makakatulong ito sa iyo nang personal, at mahusay din itong gumagana bilang isang tool ng panghimok.
Bakit hindi ka magpakita ng sketch graphics?
S. K.: Sa kasong ito, hindi ito magiging angkop … Hindi ito isang malay na posisyon; magkakaroon ng mga panukala - magpapakita kami. Sa pangkalahatan, hindi ito totoo, ipinapakita namin ito - sa eksibisyon ng "arkitekto ng taon" sa Arch Moscow mayroon kaming pagguhit ng sketch. Marami kaming mahusay na mga sketch na may kalidad. Ang mga sulat-kamay, sa palagay ko, ay hindi magiging interesado sa madla. Sa pangkalahatan, sasabihin ko na ang interes ng madla sa anumang trabaho ay direktang proporsyonal sa dami ng gawaing namuhunan dito.
Paano mo sinimulan ang pagguhit ng makasaysayang arkitektura?
S. K.: Nagsimula akong gumuhit ng matagal bago pumasok sa kolehiyo. Ang aking mga magulang ay hindi sa anumang paraan na konektado sa alinman sa sining o arkitektura, ngunit nadala ako ng iba't ibang pagkamalikhain, prototyping, pagguhit, at sa gayon ay nakakuha ako ng mga kurso sa paghahanda sa Moscow Architectural Institute. Mula noon hindi na ako tumigil sa pagpipinta; kahit na pagkatapos ng instituto mayroong isang pag-pause kapag hindi na ako nakikibahagi sa manu-manong, ngunit sa mga graphic ng computer.
Nang maglaon, nagsimulang magtrabaho kasama si Sergei Tchoban, sa kung saan sa paligid ng 2006, iminungkahi ko na maglakbay siya sa iba't ibang mga lungsod, gumuhit ng arkitektura. Mula noon, regular kaming naglalakbay ng maraming beses sa isang taon upang magpinta ng arkitektura. Ang aming unang paglalakbay sa bukas na hangin sa Roma ay, halimbawa, sa mga yapak ng Piranesi.
***
Mikhail Filippov
Paano naiiba ang iyong graphics mula sa mga makasaysayang ipinakita dito sa eksibisyon?
M. F.: Hindi ko masagot ang ganoong tanong. Maaari kong sabihin sa iyo kung paano naiiba ang mga graphic na arkitektura mula sa isang arkitektura na tanawin. Naging miyembro ako ng Union of Artists sa loob ng 30 taon at naipamalas bilang isang artista sa maraming lugar, kasama na ang Tretyakov Gallery at ang Russian Museum. Para sa akin, ang katanungang ito ay ganap na malinaw. Ang arkitekturang tanawin na nakisali sa aming mga ninuno ay, una sa lahat, de-kalidad na pagguhit at pag-oorganisa ng sheet na may masining na diskarte. Sa kasamaang palad, ang karamihan sa mga arkitekto ay nagpinta ng kanilang paboritong bagay bilang isang maliit na pananaw, at hindi bilang isang tanawin.
Noong mga panahong Sobyet, nagtrabaho pa ako sa ilalim ng mga kontrata ng Academy of Arts bilang isang dalisay na pintor sa landscape. Sa panahon ng perestroika, dumating ang kapangyarihan ng mga Serovite - karamihan sa mga ito ay magagaling na artista, realista, Gritsai, Reshetnikov, Nalbandian … Malakas, ang mga teknikal na graphic ay naroon din.
Ang natitirang mga graphic ng Soviet na binuo sa direksyon ng modernistang organisasyon ng sheet: halimbawa, kung ang tubig ay ilaw, pagkatapos ay nakasulat ito ng ganap na puti, at iba pa. Nang magsimula akong magsulat, nag-isip ako nang higit pa tungkol sa mga nuances, mga pantulong na tono; lilim ng puting gabi, kalidad ng pagguhit, mga subtleties ng pananaw … Ginawa akong kakaiba sa oras na iyon, mahal na mahal ako ng mga matandang ito. Nagtrabaho ako sa ilalim ng mga kontrata, dumating at ipinakita sa kanila, gumawa sila ng ilang mga puna - parang pinapanood ako ng mga masters.
Kaya't wala akong naramdaman na pagkakaiba sa mga matandang panginoon. Kung hindi sila gumawa ng isang teknikal na pagguhit, ngunit isang tanawin. Ang diskarte sa landscape ay tulad ng isang artista. Ang faculty ng arkitektura ng Academy of Arts nang sabay ay tinanggap ang mga gumuhit nang mas mahusay, at ang pagpipinta - ang mga lumalala. At nagbigay sila ng isang diploma sa ilalim ng pangalang "artist ng arkitektura" - ito ay formulated hanggang sa ilang, hindi ko matandaan eksakto, isang taon. Wala akong naramdaman na pagkakaiba sa kanila, lalo na pagdating sa mga gawa mula sa simula ng siglo. Napalaki ako sa mga gawa ng Ostroumova-Lebedeva.
Bagaman para sa akin ang isa pang pananarinari ay kawili-wili - ang puting gabi. Ang tanawin ng Russia ay nuanced sa mga kalagitnaan ng estado. Halimbawa kalangitan at maliwanag na halaman! Marahil ay maaaring magkaroon si Rylov ng isang bagay tulad nito, o Cezanne, ngunit naiiba na iyon.
Lumalabas na mayroon kang dalawang mga tema: ang iyong arkitekturang tanawin at iyong arkitektura …
M. F.: Hindi! Walang pinagkaiba. Ang magandang arkitektura ay dapat na maiugnay sa kalikasan, sa araw. Alam na alam ko at gusto ko ang kasaysayan ng sining. Noong 1980s, nakawiwili para sa akin na ipagpatuloy kung ano ang nabawasan noong twenties, nang ang pagpipinta kahit papaano ay nagsimulang maging - marahil napakataas na kalidad - ngunit modernismo.
Sa palagay mo totoong tumutubo ito?
M. F.: Oo, ito ay isang ganap na katotohanan. Noong Enero ng taong ito, iniabot ko ito - inalis ang mga kagubatan mula sa 750 libong metro kuwadradong mga gusaling tirahan.
Sa Sochi?
M. F.: Hindi lamang sa Sochi, sa Moscow mayroong isang bahay sa Marshal Rybalko Street. Tinitiyak ko sa iyo, ito ang sagisag ng istilong 2001 na naisip ko tatlumpung taon na ang nakalilipas.
Nararamdaman mo ba ito bilang sagisag ng iyong pagpipinta?
M. F.: Oo, oo … Hindi ko makita ang pagkakaiba.
Maniwala ka o hindi, nagtapos ako sa Academy, nakagawa ng isang konsepto at pagkatapos nito ay kumuha ako ng isang brush at watercolor sa unang pagkakataon. Hindi ako nagsulat sa Academy o sa art school. At kung nagsulat ako, imposibleng tingnan ang ginagawa ko noon.
*** ang eksibisyon ay bukas hanggang Hulyo 27 (oras ng pagbubukas)